ACTIO NOVA: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada

Presentación

2020-12-30T12:07:59+01:00

Teorías sobre el cine de Miguel Delibes

2020-05-26T16:28:40+02:00

De 1953 a 1999 Miguel Delibes publica en diferentes medios de comunicación una serie de artículos acerca del cine tratando diversos aspectos: reseña estrenos cinematográficos, reflexiona sobre géneros, sobre el cine español y europeo, sobre avances técnicos de la industria cinematográfica y sobre algunas de las adaptaciones de sus obras literarias al cine. Todos estos documentos, examinados actualmente y en conjunto, conforman una poética del arte cinematográfico escasamente señalado hasta la fecha y constituyen una importante aportación al estudio de la historia de la crítica cinematográfica en España. En esta investigación analizo y examino las principales contribuciones del escritor a esa poética del cine.

Pastiche y neovanguardismo, hibridación, ludismo y postpoesía… o "bluff"

2020-11-08T11:22:23+01:00

La Generación Nocilla apareció en la literatura española a partir de una serie de poemas, relatos, blogs y novelas de Agustín Fernández Mallo. El ensayo Postpoesía. Hacia un nuevo paradigma (2009) completó una propuesta que se había formulado en buena medida en otro ensayo importante para la cuestión, Afterpop (2007), de Eloy Fernández Cuesta, o a Vicente Luis Mora y Pablo García Casado. Mallo buscaba una regeneración de la narrativa y de la poesía, a la que consideraba moribunda en España, desde la hibridación de los géneros, apelando a los mass-media, en un ejercicio experimental. Nocilla lab era un laboratorio o arte trasgénico, de arte informático, cómics, de arte fractal, de teatro electrónico, de arte biotecnológico, de arte posthumano o del arte del caos. Sin embargo, es difícil distinguir en algunos casos la hibridación y todo se parece sospechosamente en un neovanguardismo sin demasiado fundamento teórico al fondo. Todo se parecía mucho y era simplemente novedoso. La novela Nocilla Lab fue seguramente su momento más importante.

Análisis comparativo de las estructuras articulatorias de los mundos posibles en las transducciones de "Brideshead Revisited" de Evelyn Waugh

2020-11-09T12:34:59+01:00

Las obras de ficción poseen en su constitución artística estructuras que articulan el mundo posible que en ellas se desarrolla y las interacciones de los personajes entre sí y con el mundo en el que habitan. Estas estructuras articulatorias de los mundos posibles, mediante procesos miméticos, emulan patrones existentes en la realidad efectiva, haciendo que los mundos ficcionales sean verosímiles, reconocibles y significativos para el receptor. En este artículo nos detenemos a examinar las estructuras que responden a categorías éticas, estéticas y religiosas y analizamos la presencia o ausencia de estas en las transducciones intersemióticas televisiva y cinematográfica de la obra literaria Brideshead Revisited, de Evelyn Waugh y comprobamos de qué modo la estructura de orden general del protomundo se ve afectada en el proceso de transmodalización al respetar o prescindir de estas estructuras articulatorias.

Más allá de las mujeres fálicas

2020-11-18T14:08:20+01:00

En este trabajo se pretende mostrar cómo en las ficciones del siglo xxi es posible encontrar modelos de heroínas que trascienden a las denominadas mujeres fálicas, caracterizadas por asumir determinadas características tradicionalmente asignadas a los hombres como la violencia, pero sin desprenderse de sus rasgos estereotípicamente femeninos, sobre todo en cuanto a su hipersexualización. Se propone el análisis de tres modelos de heroínas de géneros ficcionales distintos como son Arya Stark, Lisbeth Salander y Katniss Everdeen.

"Manicomio español"

2020-11-26T11:05:59+01:00

En 1953, en plena madurez intelectual y cuando ya es uno de los más famosos actores de España, Fernando Fernán-Gómez —de quien se celebra en 2021 el centenario de su nacimiento— debuta como director cinematográfico con Manicomio, un filme tan modesto como excéntrico que reune cuatro historias de Edgar Allan Poe, Aleksadr Ivanovich Kuprin, Leonidas Andreiev y Ramón Gómez de la Serna en su primera adaptación cinematográfica (“La mona de imitación”). En la película, Fernán-Gómez traza un tan oscuro como deslavazado dibujo metafórico de una España desquiciada en la que gobiernan los locos, mientras los intelectuales —como un inolvidable Camilo José Cela— cocean cual burros encerrados en un delirante manicomio. Pueden intuirse ya en el texto, más o menos embrionariamente, rasgos sainetescos y deformantes —el protagonista (el propio Fernán-Gómez) hablándole a los espectadores; el maltrechotono costumbrista del episodio ramoniano protagonizado por Antonio Vico y Elvira Quintillá— que constituirán las bases del futuro estilo del autor de El mundo sigue (1963) o El extraño viaje (1964).

Las epopeyas clásicas y el cine

2020-11-26T11:04:48+01:00

Las epopeyas grecolatinas constituyen el pilar de la cultura occidental. Como tantas obras literarias, han sido trasladadas al lenguaje cinematográfico. Un repaso de las películas que han tratado la Ilíada, la Odisea, las Argonáuticas y la Eneida desde la segunda mitad del siglo XX permite conocer el grado de fidelidad a los textos originales, no sólo en cuanto a sus narraciones, sino también a la conservación de su espíritu original. Para ello, contrasto cada epopeya con la trama de sus filmes asociados y muestro su recepción, tanto entre los espectadores como los lectores.

El audiovisual en escena

2020-12-03T13:53:42+01:00

El teatro contemporáneo recurre con frecuencia al uso de audiovisuales, práctica que tiene su origen en la misma invención del cinematógrafo. Las relaciones entre cine y teatro, además de trasponer códigos del uno al otro, han permitido transferir también su semántica, al punto de configurarse la videoescena como un elemento dramatúrgico de la escenificación. Este trabajo busca analizar cómo tienen lugar las relaciones intersemióticas entre el lenguaje audiovisual y el escénico cuando se incluye la videoescena en la dramaturgia teatral. Para ello se revisa una breve historia del audiovisual en el teatro y la terminología existente, que permiten extraer conclusiones tomando en consideración espectáculos de referencia, tanto de ámbito español como internacional.

Un dios de sanación y de destino

2020-11-29T13:18:11+01:00

En estos últimos años, la historia y la cultura germánica de la época vikinga han visto incrementada su presencia en el medio audiovisual, tal y como demuestra la aparición de la serie Vikings (2013). Concretamente, esta última incorpora frecuentemente referencias a los mitos asociados a Óðinn —una de las divinidades centrales del panteón nórdico—, cuyos atributos aparecen, además, reflejados en algunos de los personajes. Así, el objetivo de este artículo es analizar, por un lado, cómo los relatos y características vinculados con el dios se adaptan a las exigencias de la trama y, por otro, explicar en qué medida las alusiones a esta divinidad evocan los significados que los mitos odínicos encerraban en su contexto original. Tras este análisis será posible concluir que los poderes que el antiguo mundo escandinavo atribuía a Óðinn en relación con el destino y la magia curativa determinan el futuro de algunos de los protagonistas de Vikings.

La imago mundi de Juan Bonilla

2020-11-29T19:13:39+01:00

La narrativa breve de Juan Bonilla muestra una concepción del género en el filo entre el realismo y el cuestionamiento de la realidad. La imagen del mundo representada en sus relatos refleja la sociedad posmoderna y del simulacro a través de las técnicas de la narrativa de la imagen: la copia, la imitación, la autoficción y metaficción y la intertextualidad se combinan con la tecnología de las pantalla, tematizando la televisión o los videojuegos para reflexionar sobre los nuevos modos de representación del mundo.

Palabras clave: Juan Bonilla, posmodernismo, simulacro, narrativa de la imagen, televisión

El "blockbuster" como género analógico

2020-12-03T14:01:41+01:00

Las películas blockbuster son definidas, habitualmente, por su éxito económico. Sin embargo, nosotros, en la medida en que hemos crecido y participado en la sociedad occidental contemporánea, somos capaces de distinguir qué película es (o puede llegar a ser) un blockbuster sin necesidad de saber la cantidad de dólares que ha hecho ni la cantidad de espectadores que la han visto. Podemos decir, así, que resulta imposible colocar la taquilla en el centro de la definición del blockbuster. En el presente artículo, intentaremos profundizar en las especificidades de este género y repensar dos conceptos que han sido empleados para investigar la cultura de masas desde las perspectivas de las teorías de la recepción: las nociones kitsch (Eco) y trash (Fernández Porta). Nuestro objetivo será esbozar la particular manera en que la lógica del blockbuster se ha cristalizado en un género analógico que va más allá de –y no casa exactamente con– las taxonomías clásicas aceptadas por la teoría fílmica.

El universo temporal de Christopher Nolan

2020-12-05T11:35:02+01:00

El propósito de este artículo es realizar una reflexión acerca de la filmografía del director británico Christopher Nolan, poniendo especial interés en los conceptos de tiempo, identidad y fragmentación. En estas páginas se procurará poner de manifiesto la profundidad narrativa de su obra, destacando cómo se manifiestan los mencionados conceptos tanto en sus obras originales -Memento (2000), Origen (2010), Interstellar (2014), Dunkerque (2017) y Tenet (2020)-, como en adaptaciones y remakes de las obras de otros autores - Insomnio (2002), Batman Begins (2005), El truco final (2006), El caballero oscuro (2008), y El caballero oscuro, la leyenda renace (2012). Quedan fuera de este análisis sus primeros cortos y la cinta amateur Following (1998), por considerarse obras menores, aunque se matizará que incluso en estos primeros trabajos pueden intuirse las inquietudes que el director tratará de manera recurrente a lo largo de su carrera.

Relaciones fraternas en 'Piel de lobo', de Lara Moreno, y 'Hermanas', de Pascal Rambert

2020-12-07T16:59:17+01:00

El artículo realiza un estudio comparativo de la novela Piel de lobo (2016), de Lara Moreno, y la obra Hermanas (Bárbara & Irene) (2018), de Pascal Rambert, que se examinará tanto en su dimensión dramática como teatral. Un análisis de las instancias discursivas de las dos obras nos permitirá reflexionar sobre cómo se codifica el conflicto entre hermanas en dos géneros literarios distintos. Esta revisión permitirá, por tanto, poner en juego los vínculos entre la narrativa y la escena.

"Parásitos"

2020-12-09T18:53:59+01:00

En la antigua Grecia, la palabra parasito se refería, originalmente, a los altos funcionarios encargados de verificar la cosecha del trigo. Ser parásito era un gran honor, porque a estos seres se les consideraba sagrados. Sin embargo, en algún momento, esta figura comenzó a tener mala fama y fue adoptada por los antiguos dramaturgos grecolatinos para describir personajes cómicos que viven a expensas de otros. Este trabajo analiza la figura del parásito como metáfora de la naturaleza humana en las obras de Plauto y Terencio, así como en la famosa película Parásitos de Bong Joon-ho. Se trata de una propuesta que también se apoya en los postulados de Thomas Hobbes, Jaques Derrida y Michel Serres, para quienes el hombre tiene una condición que encuentra ecos con la de los parásitos: la de los lobos.

Cuando la literatura y el cine se cuentan

2020-12-15T18:26:41+01:00

La película The Fall (2006) de Tarsem Singh y el relato de J. D. Salinger «El hombre que ríe», incluido en la célebre colección de Nueve cuentos (1953), aparentemente tan dispares, están relacionadas no solo por su construcción metaficcional, sino por la intradiégesis de sus metaficciones y lo que provocan que están se desencadenen. Del mismo modo, la interpretación de los narratarios diegéticos es, en ambos casos, fundamental en el metarrelato, pues percibimos ambos desde el punto de vista de un niño que no alcanza a entender el mundo de los adultos.

La mujer a través del cine indio

2020-12-10T18:05:57+01:00

La compleja realidad de la mujer india, analizada a través de su imagen en el cine de ese país, nos ha llevado a dividir este artículo desde la construcción de la identidad de la cultura india hasta el papel que en ella desempeña la mujer. Veremos así la idealización de la mujer-madre y su carácter simbólico: mujer sumisa y tradicional; y la de la mujer moderna, profesional libre, a veces occidentalizada, que es dueña de su vida. Lo que llamamos cultura de la violación es un tema recurrente en bastantes filmes indios. Como reflejo de la cultura india, en los filmes más típicamente bollywoodienses juegan un papel fundamental la música, el color y las coreografías como metáforas de la pasión humana. Para los temas relacionados con la sexualidad se crean códigos de representación erótico-artísticos tales como la lluvia, la naturaleza, las expresiones corporales, los sueños, etc. Todo esto reflejado en algunos ejemplos fílmicos, ya sea cine independiente como el de Bollywood.

Literatura y cine, una coreografía de la mirada

2020-12-19T00:11:06+01:00

El animal moribundo es una novela del escritor Philip Roth, publicada en 2001, cuyo argumento gira en torno a las reflexiones del protagonista, un sexagenario profesor, crítico cultural y figura mediática, acerca de la relación sentimental con una joven alumna, con la que ha transgredido la distancia estética que le preservaba de caer en el caos de la pasión amorosa y los celos.

El relato fue objeto de una adaptación cinematográfica con título Elegy/La elegida, realizada por la directora española Isabel Coixet en 2008, en la que se transfiere a la pantalla un singular dispositivo visual que la novela alberga como procedimiento para generar un espacio de implicación y participación del lector. Como resultado de la traslación de dicho dispositivo al cine se produce lo que podría denominarse una coreografía de la mirada destinada a la movilización del trabajo espectatorial en el film.

El narcotraficante, entre la literatura, el cine y la mitología popular

2020-12-20T18:50:25+01:00

En la civilización del espectáculo donde solo impera lo que el mercado marca como éxito, los valores sociales se han visto afectados. Solo se cuenta la repercusión mediática que tiene una acción o persona para valorarla como modelo social. En la actualidad, los narcotraficantes se han convertido en unos iconos populares con gran influencia social debido a la imagen que se vende de ellos en las diferentes producciones cinematográficas y periodísticas.

El presente artículo busca mostrar cómo se presenta a los narcotraficantes en diferentes series y películas a través de un caso concreto, el de Joaquín el «Chapo» Guzmán, el narcotraficante más mediático de los últimos tiempos y quien se está convirtiendo en el arquetipo del narcotraficante gracias a sus llamativa vida.

Unamuno y su «costumbre»

2020-12-21T18:16:45+01:00

El presente trabajo busca reflexionar en torno a los momentos más sentimentales que salpican la película Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, el retrato social del inicio de la guerra civil española que, utilizando como eje la figura del intelectual Miguel de Unamuno, se estrenó en cines en 2019. La película aporta breves momentos amorosos sobre el matrimonio Unamuno-Lizárraga que, precisamente por su carácter puntual, sirven de interesante contrapunto a las escenas más históricas y dramáticas, como pretendo demostrar.

Cine y compromiso crítico en la segunda generación del exilio en México

2020-12-22T08:51:49+01:00

Este artículo propone una aproximación a las aportaciones críticas y cinematográficas que realizaron los escritores de la segunda generación del exilio en México. El objetivo es mostrar la concordancia entre las ideas que recorren sus críticas cinematográficas y las críticas literarias: preocupaciones estéticas y reflexiones en torno al público y el espectador, la función de la crítica, el cine como creación y la figura del autor-director, la preocupación existencial, la independencia crítica y el dialogismo que se relacionan con la huella institucionista de su formación y con las teorías del cine de los años sesenta. Una praxis crítica y creativa que transformó el panorama crítico y cinematográfico de México durante los años sesenta y setenta. Se presta especial atención al Grupo Nuevo Cine y a su revista, así como a la realización de la película En el balcón vacío.

En un lugar de Scranton, Pensilvania: la belleza de las cosas normales en los personajes de "The Office".

2020-12-29T13:15:18+01:00

El presente artículo analiza la progresiva evolución de los personajes principales en The Office, y cómo cada uno de ellos encarna, a través de este proceso, la idea principal de la serie: que hay algo extraordinario en el corazón de las cosas normales.

“Doctor en Alaska” 6/17: teoría, literatura y conflictos de interpretación en (una) serie

2020-12-29T18:12:01+01:00

«El graduado»[1] es el episodio 17 de la sexta temporada de la serie Doctor en Alaska. Plantea un argumento en el que Chris Stevens defiende su tesis de máster ante un representante de los modelos formalistas-contenidistas norteamericanos («tradicionalistas») y un representante de los modelos postestructuralistas («deconstruccionistas»). El tema de la tesis, sus principios teóricos, los paradigmas interpretativos y la inquina entre los scholars son asuntos que demuestran la presencia de la Teoría dentro de la ficción audiovisual y las luchas en la Academia. Este artículo analiza este episodio como muestrario teórico-literario. Y propone su uso como una forma rentable de enseñanza de la teoría de la literatura.

[1] The Graduate, episodio 6/17 de Doctor en Alaska. Escrito por Sam Egan y dirigido por James Hayman. Se emitió por primera vez el 8 de marzo de 1995.